LEONARDO VALENTINI: il racconto di una visione personale

In vista di GOD SAVE THE PUNK, l’incontro organizzato da KULT Magazine domenica 22 novembre all’Art Mall di Milano, abbiamo iniziato a svelare alcuni dei protagonisti che prenderanno parte al talk.

Tra questi c’è Leonardo Valentini, designer che ha costruito un universo creativo personale, in cui convivono suggestioni punk, estetica glamour e una costante ricerca sui materiali e sulle forme.

Per conoscere più da vicino il suo percorso, le ispirazioni e il modo in cui prende forma la sua visione, ho avuto l’occasione di scambiare qualche domanda con lui. Dalle prime intuizioni creative agli esordi con Polemeros, passando per il rapporto con la musica e i riferimenti che continuano ad alimentare il suo lavoro, fino ai progetti più recenti: un racconto che ci permette di entrare nel suo immaginario prima di ritrovarlo sul palco di GOD SAVE THE PUNK.

 

Come nasce Leonardo Valentini come designer? Da dove parte il tuo interesse per la moda?

Credo sia nato nella stessa persona. Ho sempre avuto un modo di comportarmi e di fare che si collegava intrinsecamente ad alcuni aspetti della progettazione creativa. Ho sempre avuto una particolare curiosità verso la ricerca e una certa ossessione, però non ho mai sfogliato Vogue e sapevo ben poco dei brand di lusso. Mi interessava molto trasformare le mie idee in disegni e, spesso, queste erano associate fin dall’infanzia ai capi di abbigliamento, stranamente femminili e non maschili. Poi, per un periodo, ho nascosto questa inclinazione a me stesso, durante gli anni del liceo, ma a un certo punto il tappo è scoppiato dalla bottiglia.

Hai scelto di formarti al Polimoda di Firenze. Quanto ha contribuito questa esperienza a definire il tuo approccio alla moda e il tuo linguaggio creativo? Cosa ti porti ancora oggi di quegli anni?

È stato fondamentale, non tanto per la mia formazione vera e propria, perché, avendo fatto un master al Polimoda, venivo già da una precedente esperienza di studio e anche lavorativa. È stato importante perché mi ha permesso di vivere la moda contemporanea con occhi diversi, di avvicinarmi a nuovi approcci e di vedere lavorare persone diverse che tuttora sono miei amici e che, di conseguenza, mi hanno stimolato. Non a caso, uno di questi è Domenico Orefice, che ritengo uno dei brand emergenti italiani più interessanti.

Nel 2019 hai presentato il tuo primo progetto, Polemeros. A distanza di anni, guardando a quel primo lavoro con gli occhi e la consapevolezza di oggi, quanto senti che il tuo approccio creativo sia cambiato? Ci sono aspetti di quel progetto in cui non ti riconosci più o, al contrario, è qualcosa che rifaresti esattamente allo stesso modo?

Sì, assolutamente. Penso che cambierei tutto, anche se quello che mi piace è vedere come il passato sia diverso, ma allo stesso tempo si colleghi molto al presente. In quel periodo della mia vita, quella collezione faceva parte del progetto finale del Polimoda con cui mi sono laureato e aveva un aspetto estremamente glamour, che non era esattamente quello che ci si aspetta da quella scuola. Però ho portato avanti la mia idea, come faccio sempre, con testardaggine e motivazioni a riguardo.

Già da quel progetto utilizzavo la pelle, un materiale che tuttora fa parte del mio DNA e che, proprio per questo, è diventato il fulcro di una stretta collaborazione a cui tengo molto: quella con Lineapelle, che mi supporta con i fashion show e le presentazioni.

Quello che conservo molto di quella collezione, pur non facendo parte del progetto LEONARDOVALENTINI, è che già allora avevo iniziato a disegnare ricami di Cupidi trafitti. Infatti, Pólemos ed Eros, che compongono il titolo, già la descrivono.

Per NEEDLEHANDS PRE S27 hai scelto di partire dall’immaginario di Edward mani di forbice di Tim Burton. Perché proprio questo film? È un riferimento che ha a che fare anche con la tua storia personale o con ricordi legati alla tua infanzia? Qual è stato il filo conduttore che ti ha portato a tradurre quell’universo nel tuo progetto e quali elementi hai scelto di reinterpretare attraverso la tua estetica? Ci puoi anticipare qualcosa di questo lavoro?

Sì, infatti mi sorprendono sempre le assurde coincidenze che mi infestano. Proprio ora ho visto Tim Burton collaborare con delle capsule per Zara e Loewe. In più, questa pre-collezione anticiperà una main collection che sfilerà con il supporto di Lineapelle e Camera Nazionale della Moda Italiana, in calendario a febbraio, e si chiamerà spLeen.

Un’altra coincidenza è che ho visto che in Italia si sta esibendo in questo periodo un gruppo chiamato The Spleen Orchestra, che suonerà tutta la colonna sonora di Edward e di Tim Burton. Ovviamente andremo a vederli con i ragazzi che lavorano per me.

Comunque, parlando del film, a dire il vero l’ho riscoperto recentemente e mi ha affascinato tutto, dall’estetica alla morale. Da qui sono partito per interpretarlo e renderlo mio. Le mani di forbice sono diventate mani di aghi: gli aghi che lavorano la pelle e i tessuti e che tatuano. Infatti, durante questa presentazione di NEEDLEHANDS c’era la possibilità di farsi tatuare e personalizzare l’accessorio in pelle desiderato.

I personaggi di Tim Burton hanno molto in comune con quelli che immagino io: autocommiserati, ma allo stesso tempo vivi. Inoltre, leggendo il suo libro autobiografico, ho scoperto molte cose sul suo modo di fare regia che ho sentito molto vicine al mio. Questo mi ha sorpreso e onorato.

Tornando a spLeen, che sarà il contenitore in cui NEEDLEHANDS verrà inserito, si parte da un’altra mia grande ossessione: I fiori del male di Baudelaire e questo personaggio di Death Note chiamato L, che ha anche lui molto in comune con me.

Chi ti segue sui social avrà notato quanto la musica sia presente nel tuo immaginario e quanto spesso condividi artisti, canzoni e riferimenti musicali. Al di là delle collaborazioni con artisti che hai già vestito, ti è mai capitato di immaginare una collezione o un progetto costruito interamente attorno a una canzone, a un genere musicale o all’universo di un artista? C’è un riferimento che ti piacerebbe esplorare?

Assolutamente sì. Per quanto io abbia un ottimo rapporto con gli artisti con cui lavoro e li ritenga prima di tutto delle persone — mi riferisco a Irama e Lauro —, per questa collezione spLeen a cui stiamo lavorando sono partito da riferimenti lontani del mio passato, che ho esplorato nuovamente con altri occhi: i My Chemical Romance.

Oltre a loro, ovviamente, Billy Idol è sempre un mio riferimento, così come Billy Corgan degli Smashing Pumpkins. Ultimamente sto scoprendo Dallon Weekes e il suo modo di muoversi in diverse direzioni, dai The Brobecks ai Panic! at the Disco e agli iDKHOW, sempre in modo nuovo ma coerente.

Hai descritto il tuo universo creativo attraverso parole come wild, punk e glamour. Guardando i tuoi lavori, emerge proprio questa convivenza tra elementi apparentemente distanti: l’attitudine più ruvida e ribelle del punk, ma anche una componente glamour, sensuale e ricercata. Come riesci a far dialogare questi linguaggi? E quanto questa dualità rappresenta la tua identità come designer?

Sì, queste tre parole, dopo anni di analisi di me stesso, credo che mi caratterizzino e, di conseguenza, ho cercato di tradurle nei capi e negli accessori di abbigliamento.

Glamour perché da sempre la gazza ladra mi corrisponde; Wild per l’istinto e anche per il piacere di vedere l’errore visibile; e Punk perché già di per sé definire un brand come progetto estetico credo sia un sovvertimento di una tipica regola di mercato.

Se l’identità viene riconosciuta, credo che sia motivo di orgoglio, perché è la cosa più complessa per i nuovi progetti di qualunque natura nel 2026. In questo è molto legata a me: tutto quello che costruiamo parte da un racconto personale.

Infatti, mi dispiace molto vedere determinati stili e brand piegarsi in direzioni che poco appartengono al loro DNA, solo per vendere.

In occasione di GOD SAVE THE PUNK parleremo di libertà espressiva e anticonformismo. Nel tuo percorso hai cercato di costruire un’identità estetica riconoscibile, senza necessariamente seguire le tendenze o aderire a una definizione precisa di moda. Quanto è importante per te mantenere questa libertà e portare avanti una visione personale, anche quando si muove in una direzione diversa da quella del mercato? Ti sei mai scontrato con delle difficoltà nel farlo, soprattutto come designer indipendente?

Le difficoltà sono tante per noi brand autofinanziati, senza un patrimonio familiare da investire. Mi sono pianto addosso molto nel 2025 e in spLeen11/12/2026 si vedrà. Ora ho di nuovo gli occhi infuocati.

Aggiungerei anche che l’anno scorso ho attraversato una profonda depressione, che sarà proprio al centro della nuova collezione spLeen. È la stessa esperienza che mi spinge a dire che, se vuoi conoscermi davvero e nel profondo, basta guardare il mio lavoro.

 

Intervista di Elvira Strazzullo